浮世絵のすべて

浮世絵は、日本の美術で最も人気のある絵画スタイルの 1 つで、江戸時代に登場し、最も発展しました。

「浮世絵」の概念そのものを日本語に訳すと、「刻々と変化する世界の絵」を意味します。 この用語は、禅仏教の中世の哲学から借用されました。この哲学的方向性の最も重要な規定の 1 つは、未知の永遠と比較して、人間の存在の全体的な脆弱性を完全に認識することです。そのため、禅宗では「今ここ、今だけ」という自分の人生を捉える力が前面に出てきました。

現在から瞬時に過ぎ去る瞬間を長い間賞賛することは、深い日本の美学の最重要部分となり、自然の中で自分の場所を実現し、禅仏教の精神で瞑想を実践することにできるだけ自然に近づくための最も興味深い方法の1つになりました、今日非常に人気があります。

ほとんどの場合、浮世絵は日本の伝統的な木版画を指します。 日本のアーティストは、もともと米のペーストを混ぜたあらゆる種類の植物染料を使用していました.このような彫刻技法により、滑らかな色合いの複雑な色を作成することが可能になり、このジャンルが絵画に近づきました。

浮世絵のような独自のスタイルの出現は、1603 年から 1867 年にかけての歴史的な江戸時代の初めに、日本の都市の活発な成長 (国の都市化) によるものでした。 天忍のような社会階級が現れたのはこの時でした - これは商人や職人の階級です。都市化の結果、都市文化が活発に発展し始めています。ユニークな浮世絵の彫刻のテーマは、あらゆる種類の都会の詩、浮世草子のジャンルの物語であり、日本の歌舞伎劇場の芝居と美しく戯れていました。

古代の木版画の起源は、主に白黒の本の挿絵であり、カラー画像はずっと後に登場します。 日本の版画は、ほぼ明確に特定のテーマに分けることができます。

役者絵は、本質的に、日本の歌舞伎劇場で最も人気があり、有名な役者のオリジナルの肖像画です。 そのような彫刻は、彼の創造的な環境で人を見ることを可能にし、そのような劇場で最も頻繁に演じられた役割を決定することを可能にしました。

春画（春画） - 実際、これらはエロティックな倍音を持つ非常に特殊な彫刻です.

武者絵は、全国的に有名な武士の非常に高品質な画像です。 このテーマは日出ずる国で非常に人気があります。サムライは人間の精神の強さと不滅の化身であり、崇拝されており、サムライ一族のカルト全体が存在するため、戦士のイメージが印刷された彫刻が施されています。日本ではほぼどこでも見られます。

• ビディンガ - 美しい人々のかなり専門的に実行された画像。

• 摺物 - これらは、前向きな願いを込めた特別な種類のお祝いの写真です。ほとんどの場合、日本の町民の生活の風俗シーンを描いています。美しい花や植物を見ることができます。動物や鳥の画像、さまざまな種類のカラフルな風景があります。 、花の咲く木の写真、幸福の神々（そして日本にはたくさんあります）。また、そのようなポストカードには、善と幸福の象徴であるオブジェクトが描かれています。

• 横浜絵 -これらは、さまざまな国の代表者の非常に明確な画像です（日本人は常に外国人を少し離れていると認識してきました）、さまざまな改善されたメカニズム、スタイリッシュなヨーロッパ風の家の画像もここで見ることができます.このジャンルは、日本が国の完全な孤立の政策を放棄した後に生じました - その領土に最初の外国の代表者が現れました.そのため、そのような彫刻のすべての見知らぬ人は非常に印象的で、しばしばばかげているように見えます。

• カテガ ・つぼみを咲かせた花と、鮮やかな羽毛を持つ豪華な鳥の姿がとても美しい画像です（主に鶴、桜の花が描かれ、ここでは花木の景色も楽しめます）。

• 不敬画 - 色付きの自然の風景 (火山、小川) と絵のように美しい都市部で、自然のモチーフが構図に含まれています。

浮世絵版画の制作過程では、通常 3 人が参加しました。これは、アーティスト自身、彫刻家、および専門のプリンターです。 そのような製品の需要を研究し、彫刻の流通を決定したのは出版社であったため、このプロセスで出版社も重要な役割を果たしたことに言及する価値があります。

未来の彫刻に取り組むプロセスはこんな感じでした。

1. まず、アーティストは輪郭線を描く必要があります - これは将来の彫刻の原型でした.ドローイングは、非常に薄く、時にはほとんど透明でデリケートな紙に特殊なインクで適用されました。
2. 彫刻家の仕事は、出来上がった絵を、桜の木、ナシ、またはツゲの木でできたすでに準備された板に前面で接着することです。その後、彼は紙のベースが完全に白い部分を切り取り、最初の彫刻の形を手に入れましたが、同時に画像自体を実質的に「破壊」しました。
3. その後、一度にいくつかの白黒のプリントが作成されました-マスターが事前に考えた色を指定しなければならなかったのはそれらの上でした。
4. カッターは、必要な数 (場合によっては 30 以上) の印刷イメージを作成しました。これらの各フォームは、1 つの色またはアンダートーンに対応する必要がありました。
5. 印刷業者は、最初にアーティストと必要な色の範囲について話し合う必要がありました。次に、アーティストは慎重に絵の具を塗り、少し湿らせたライス ペーパー ベースに彫刻を手作業で印刷するプロセスを開始しましたが、これはそれほど簡単ではありませんでした。

このように、彫刻を作成する集合的な方法（プロのアーティスト、正確な彫刻家、経験豊富なプリンターの参加による）、リストされているすべてのマスターの狭い専門化、全生産プロセスの古いワークショップ組織により、東洋の木版画の特別な独創性。

18世紀、京都の別の「芸術家の通り」四条に、丸山四条と呼ばれる日本の古典画派が形成されました。その創設者は、その国で偉大で有名な人物でした アーティスト丸山オケ.彼の作品では、彼は自然の自然主義を組み合わせようとし、明暗法のテーマと西洋の学校の伝統を使用した遠近法を使用しましたが、東洋の画像技術を維持しました。

市民の顔の絵画における古代の描写のジャンルの最も有名なマスターの一人と考えられています 喜多川歌麿という巨匠.彼の古典作品における伝統的な女性像は、長年にわたって深刻な類型化を受けてきました。古代のマスターの作品における日本人女性の美の理想は、特に細長い顔の楕円形と細長い体のプロポーション、高い髪型、最小限の軽いストロークで輪郭を描かれた表情豊かな目、女性の唇の非常に細い線、そして最もまっすぐな鼻です。 .

北斎も古木版画の傑出した巨匠です。 極東の古典的な風景は、オブジェクトの外観の実際のイメージを回避し、それによって自然の形の助けを借りて、存在のビューの哲学的アイデアを伝え、表示しようと努めました。しかし、北斎では、この風景は常に特定の地域に関連付けられており、マスターは書道の碑文の助けを借りて多くの地形的特徴を洗練することがよくありました.